Was ist Grafikdesign?

Grafikdesign ist eine kreative Tätigkeit, die auf die Kommunikationsbedürfnisse der Industriellen Revolution reagierte und erfunden wurde, um Massenprodukte an wachsende Verbrauchergesellschaften zu verkaufen. In diesem Sinne könnte Grafikdesign als eine kreative Handlung dienen, die der Werbung dient. Das ist jedoch keine vollständige Definition, sondern beleuchtet die Kommunikation als eine einzigartige und wichtige Facette jedes grafischen Designs.

Grafikdesign ist letztendlich eine Übung in visueller Kommunikation in irgendeiner Form. Diese Kommunikation kann durch eine Vielzahl von Techniken wie Typografie, Illustration, Form und Farbe realisiert werden, aber das Ziel besteht darin, Informationen effektiv (und nahezu sofort) an das Publikum zu übermitteln. Daher ist es sinnvoll anzunehmen, dass der Designprozess absichtliche und angemessene grafische Entscheidungen erfordert, um die beabsichtigte Botschaft am besten zu vermitteln. Dies gilt sowohl für Webdesign als auch für Printdesign.

Wir betonen das Wort "Grafik", denn das ist es, worum es hier geht, aber wir erkennen an, dass dies den gesamten Umfang des Webdesigns, einschließlich der Benutzeroberfläche (UI), die sich mit grafischer Kommunikation und Elementen befasst, nicht berücksichtigt. UI und UX sind Funktionen des Systems, die auf die Frage abzielen: Versteht der Benutzer das System? Können sie es finden und navigieren? Können sie die gewünschte Aufgabe schnell und einfach erledigen? Bietet ihnen das System eine positive Erfahrung? All dies sind Fragen, die sich mehr mit UI und UX als mit Grafikdesign befassen. 

Grafikdesign kann zweifellos zu diesen Bereichen durch viele der unten diskutierten Techniken beitragen und als Teil dieser Bereiche angesehen werden. Um jedoch die Rolle des Grafikdesigns im Webdesign vollständig zu verstehen, sollten wir Grafikdesign als den visuellen Übermittler von Bedeutung in seinen eigenen Begriffen betrachten. Darüber hinaus müssen wir seine reiche und faszinierende Geschichte verstehen.  

 Sprache des Designs

Sie ist mehr als nur Linien, Formen und Bilder auf einer Seite. Sie umfasst eine reichhaltige visuelle Sprache, und ein Blick in ihre Geschichte zeigt, wie diejenigen, die vor uns kamen, zu dieser wunderbaren visuellen Prosa beigetragen, sie definiert und ihr Tiefe verliehen haben. So wie sich die Theorien über das Wesen und die Praxis des Designs weiterentwickelten, so entwickelte sich auch die visuelle Sprache, die sie beschrieben. 

Heute ist diese Sprache eng mit reichen Theorien verbunden, die von den größten Köpfen des Fachgebiets erprobt, getestet, geschrieben, umgeschrieben, bewiesen und erklärt wurden.

Je besser wir diese Sprache beherrschen, desto leichter wird es uns fallen, bei der Bewertung von Grafikdesign-Beispielen instinktiv zu erkennen, was zu behalten und was zu verwerfen ist.

Diese Instinkte entwickeln sich weiter, wenn wir mit Grafikdesign in Berührung kommen und unser Verständnis der visuellen Sprache komplexer wird. Ähnlich wie bei der Literatur enthält auch die Designgeschichte eine Vielzahl von Klassikern, die es zu genießen, zu entdecken und zu lernen gilt.

Denken Sie an das Raster, auf das viele Gedanken und Energie in Design investiert werden, um seine Rolle zu verstehen. Das Raster wird verwendet, um sowohl kurze Gedichte als auch große Opern im Design zu strukturieren. Dennoch freuen sich viele Designer weiterhin, mit all der Komplexität eines Scherzes zu arbeiten, da "die Bilder und der Text" auf diese Weise ordentlich aussehen. Das Verständnis der Designgeschichte hilft uns, schlechte Witze zu vermeiden.

Die Bedeutung von Geschichte und Theorie: Jedes Mal, wenn wir auf ein Design schauen, lesen wir die Designsprache auf unterschiedliche Weise. Wir verstehen zunehmend besser, wie Theorien und Philosophien, als Produkte, der Annahme einer Struktur für den Inhalt verleihen. Als Designer sind wir jeder von uns "Erben einer herausragenden Tradition", die sich durch die Strömungen der Geschichte erstreckt und uns jede Markierung und jede Theorie vermittelt hat, die bisher gemacht wurde.

Die größten Praktiker unseres Handwerks haben ihre eigenen Philosophien und Theorien entwickelt, wie sie die Sprache am besten zum Ausdruck bringen können. Durch ihr einzigartiges Erbe (sei es schriftlich oder auf andere Weise) lernen wir, wie sie ihre Arbeit rechtfertigen. Wenn wir ausreichend viele Beispiele eines einzelnen Designers analysieren und ihre Zeitgenossen sowie ihre Einflüsse erkunden können, entsteht ein erkennbares Denkmodell.

Zum Beispiel hatte der einflussreiche Denker des Designs, Paul Rand, einen einzigartigen Verstand, der sich von allem anderen unterschied. Selbst eine verdammte Lektüre könnte László Moholy-Nagy's Arbeit als großen Einfluss auf Rands Arbeit zeigen. Eine einzige Aussage von Moholy-Nagy, dass Rand ihn "insbesondere dazu gebracht hat, Bücher und Essays über Ästhetik zu verschlingen", trieb ihn an. Inspiriert von Moholy-Nagys "Neuer Vision" und John Deweys "Kunst als Erfahrung" entwickelte Rand seine eigenen Ideen.

Diese oberflächliche Beziehungskarte, die von Paul Rand ausgeht, gibt uns Kontext und zeigt uns, wie uns ein einfacher Ausgangspunkt historische und philosophische Hinweise geben kann. Eine solche Übung zeigt uns, aus welchen Texten wir lernen können und welche Designer wir erforschen sollten. Ihre Verbindungen und neuen Erkenntnisse treiben unsere Bildung weiter voran. Mit anderen Worten, diese oberflächliche Beziehungskarte gibt uns Kontext und zeigt uns, wie uns ein einfacher Ausgangspunkt historische und philosophische Hinweise geben kann. Ihre Verbindungen und neuen Erkenntnisse treiben unsere Bildung weiter voran.

Es gibt nicht nur Rand's eigene Arbeiten, die wir lernen können, sondern auch Moholy-Nagy's "Neue Vision" und "Kunst als Erfahrung". Wenn diese Texte von Designern wie Paul Rand so stark beeinflusst wurden, dann haben sie eine große Bedeutung und sollten nicht ignoriert werden.

Als Empfänger eines solch großzügigen Geschenks sollten wir diese Geschichte nicht als irrelevant für unsere aktuellen Gedanken und Probleme betrachten. Wie können wir eine Sprache sprechen, ohne sie in dem Moment zu hören, in dem sie am meisten gesprochen wird? Schließlich, wenn Design die Manipulation von Form und Inhalt ist, dann bedeutet das, dass das Betrachten eines beliebigen Designs oder das Lesen einer beliebigen Design-Philosophie, unabhängig von ihrem Alter, bedeutet, zu verstehen, wie die visuelle Sprache an unterschiedliche Bedürfnisse angepasst wurde.

Zu diesem Zweck betrachten wir die Werke großer Meister und Denker. Doch eine solche Anstrengung sollte über das bloße Nachahmen von Stil, Bildern und Formen hinausgehen. Stattdessen sollten wir die Elemente (und die Beziehungen zwischen den Elementen) in einem bestimmten Bereich wirklich verstehen und rechtfertigen. In jedem Kontext sollten wir eine visuelle Grammatik für unsere Geschichten entwickeln.

Wir haben uns bemüht, unsere Ideen zu lenken. Indem wir Design-Geschichte und -Theorie studieren, sind wir vielen großen Meistern begegnet, die großzügig ihre Ansichten über die Design-Sprache geteilt haben, wie Josef Müller-Brockmann (über die Raster), Jan Tschichold (über die Komposition) und Wolfgang Weingart (über die Typografie). Diese Geschenke ermöglichen es uns, ein bestimmtes Design nicht nur als visuell ansprechend zu betrachten, sondern tiefer zu gehen und zu verstehen, warum es so attraktiv ist.

Gute Designer kennen die Geschichte auswendig und können benennen, wer welche Meilensteine erreicht hat. Große Designer verstehen, warum diese Meilensteine überhaupt erreicht wurden.

In den nächsten Blogs werden wir uns mit Konzepten wie Zeitlosigkeit, Minimalismus, Bildern, Typografie und Klang beschäftigen und ihre verschiedenen Auswirkungen auf die Kunst des Grafikdesigns diskutieren.